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Beitrag Forum: Menschen allgemein   Geschrieben: Do, 16. Oct 2008 21:24   Titel: Street-Fotografie, was ist das?

Street-Fotografie, was ist das?


Die Streetfotografie ist eine dokumentarische Fotografie, die sich überschneidet mit Teilen der Portrait- und Event-Fotografie.

Zu Eigen ist der Streetfotografie, dass sie ungekünstelt ist, beobachtend das Geschehen um sie herum zum Thema macht und exemplarische Szenen herausgreift.
Dabei wiegt der "Inhalt", also die Bildaussage weit mehr als technische Gegebenheiten, wie beispielsweise Bildschärfe, korrekte Belichtung mit Zeichnung in allen Bildbereichen, etc.

Street ist meist direkt und nah, sollte immer authentisch und ungestellt sein. Sie konzentriert sich auf einen bestimmten Aspekt oder Moment, der dann festgehalten wird.
Ein Aspekt, der die Streetfotografie problematisch macht, ist zum Teil die Diskussion um das "Recht am eigenen Bild", sowie die scheinbar grenzenlose Ausweitung des Themas auf alle Bereiche des Lebens. Streetfotografie ist in erster Linie Dokumentation des Gesehenen. Es sind "Schnappschüsse", Momentaufnahmen, usw.

Tips
Sinnvoll ist es vor Ort die Belichtung zu prüfen. Also die Kamera so Voreinzustellen, dass unter sämtlichen Bedingungen die Aufnahme gelingt. Also wählt man eine ISO-Einstellung, die selbst in Schattenbereichen eine ausreichend schnelle Belichtungszeit, je nach Brennweite, ermöglicht.

Unterbelichten, um das Bild nicht durch zu helle Bereiche (gerade bei Sonne wichtig) schon beim Fotografieren zu "zerstören".

Bsp. - 2/3 Blende unterbelichtet, das verringert auch die Verschlusszeit
Bsp. Blende 4 ist sehr gut geeignet

Über Brennweiten lässt sich keine Regel beschreiben.
Authentische Fotos gibt es mit einer Brennweite von 50mm.
Aber auch 70-200mm oder 100-400mm ist kein Problem.
Die verwendete Brennweite richtet sich fast danach, wie "skrupellos" ein Streetfotograf ist.
Bei 50mm muss man an das Motiv schon sehr nahe heran. Die Ergebnisse sind dafür sehr authentisch, weil das Bild dem Sehen des Menschen nahe kommt.
Größere Brennweiten erlauben dafür eine Abgeschiedenheit des Fotografen. Er wird vom Motiv kaum bemerkt. Das Bild bleibt ungekünstelt.

Umgang mit Personen als Hauptmotiv
Dies ist ein nicht ganz einfaches Thema, denn generell gilt "Das Recht am eigenen Bild". Personen, die nicht in der Öffentlichkeit stehen (Prominente), haben das Recht am eigenen Bild, wenn sie eindeutig zu identifizieren sind.
Streetfotografie muß nicht Personen beinhalten. Es kann auch nur die Dokumentation eines Strassenzugs sein, Tiere, Fahrzeuge, etc.

Fazit
Streetfotografie ist eine spannende, anspruchsvolle Sparte der Fotografie. Selbst am gleichen Ort gibt es immer wieder lohnende neue Motive. Sie fördert die Kommunikation und schult das Sehen.
Beitrag Forum: Fotowiki   Geschrieben: Fr, 19. Sep 2008 20:13   Titel: Landschaftsfotografie

Landschaftsfotografie




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Ansel Adams: The Tetons and the Snake River

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Herbstidylle im südlichen Wipptal

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Zireiner See mit Rofanspitze.

Die Landschaftsfotografie setzt sich mit der Abbildung der belebten und unbelebten Umwelt des Menschen auseinander. Sie steht in einem engen Zusammenhang mit der Naturfotografie, der Architekturfotografie, aber auch der Stilllebenfotografie wenn sich die Betrachtungsräume beispielsweise den gestalteten Parks und Gärten annähern.

Ihre Pioniere, im 19. Jahrhundert Hermann Krone, im 20. Jahrhundert Ansel Adams, suchten die vom Menschen nicht beeinträchtigte Umwelt zum Mittelpunkt ihrer Arbeit zu machen. Ihr Ziel war die möglichst „naturgetreue“ Abbildung. Zumeist wurden große Bildformate in Fachkameras genutzt. Seit dieser Phase hat sich die Landschaftsfotografie in viele Richtungen entwickelt. Die menschliche Intervention in die Landschaft wurde als bestimmendes Element aufgegriffen. Beispielsweise zeigt Margherita Spiluttini großformatige Abbildungen der vom Menschen in die Umwelt gesetzten Steinbrüche und der vom Verkehr und der Wasserkraftnutzung überformten Alpen. Über den menschlichen Eingriff oder die Dokumentation von aktuellen Ereignissen lässt sich auch ein Bezug zur Reportagefotografie herstellten. Vom Krieg geschundene Welten, aber auch Umweltkatastrophen bieten weiten Raum für die fotografische Arbeit.

Während sich Spiluttini und viele andere Vertreter der Landschaftsfotografie der „exakten“ Abbildung widmen, verfremden manche zeitgenössische Fotografen wie der Finne Miklos Gaal reale Szenen mit den extremen Unschärfen, die durch die Verstellungen von Fachkameras möglich sind, zu surrealen Szenen, die an die Makroaufnahmen von Modelleisenbahnen erinnern. Darin könnte ein Aufgreifen der Ideen des beginnenden 20. Jahrhunderts gesehen werden, mit denen sich die Fotografie vom Zwang der exakten Abbildung befreite.

Technik


Abgesehen von bewussten gestalterischen Unschärfen, versucht man in der Landschaftsfotografie, Aufnahmen mit großer Schärfentiefe und Detailzeichnung herzustellen. Landschaftsfotografen haben meist genug Zeit, um ein Stativ aufzubauen und damit die optimale Perspektive und Ausschnitt zu suchen. Belichtungsreihen treten hier an die Stelle von Serienbildern.

Bildschärfe


Zur Erzielung optimaler Bildschärfe bei Landschaftsaufnahmen gelten folgende Parameter:

  • Möglichst niedriger ISO-Wert, um Bildrauschen (bzw. Körnigkeit) zu minimieren.
  • Am besten fotografiert man im RAW-Format um verlustfreie Bilder für die Nachbearbeitung herzustellen.
  • 6 Megapixel reichen für den „Hausgebrauch“, schöpfen aber nicht das Auflösungsvermögen sehr guter Objektive voll aus. Hier sollten es 10-12 Megapixel sein.
  • Möglichst gutes Objektiv, Festbrennweiten sind meist preiswerter und kompakter als vergleichbar gute Zoomoptiken.
  • Auch gute Objektive sollten um mindestens zwei Stufen abgeblendet werden, höchstens aber „zwei Stufen vor ganz zu“. Oft sind das Blendenwerte um 5,6 bis 11.
  • Daraus resultiert eine Belichtungszeit, die oft nicht aus der Hand verwacklungsfrei gehalten werden kann. Ein gutes Stativ ist daher das wichtigste Utensil des Landschaftsfotografen.
  • Drahtauslöser (oder elektrischer Fernauslöser) bzw. Selbstauslöser und Spiegelvorauslösung reduzieren die Verwacklungen und sollten bei Aufnahmen vom Stativ immer verwendet werden, wenn es das Motiv erlaubt.
  • Der Autofokus stört bei Landschaftsaufnahmen oft, manuelle Scharfstellung auf Unendlich (∞) ist meistens richtig.


Filter


Folgende Filter finden in der Landschaftsfotografie häufig Anwendung:

  • Polfilter können blauen Himmel kräftiger erscheinen lassen und Spiegelungen auf Wasseroberflächen reduzieren. Seine Wirkung entfaltet er nur bei Seitenlicht.
  • Verlauffilter dunkeln einen hellen Himmel ab und reduzieren so den Kontrastumfang des Bildes.
  • Neutralgraufilter verlängern die Belichtungszeit, sodass Bewegungsunschärfe, insbesondere von fließendem Wasser, bildwirksam wird.
  • Farbfilter (rot, grün, gelb, orange) werden nur in der Schwarzweißfotografie verwendet und können den Landschaftseindruck verstärken. Ein Gelbfilter arbeitet beispielsweise die Wolken vor blauem Himmel besser heraus, und ein Grünfilter differenziert das Blattgrün bei Waldaufnahmen.


Literatur


  • A. Horsley Hinton: Künstlerische Landschafts-Photographie in Studium und Praxis (2. durchges. u. erweiterte Auflage). Berlin: Gustav Schmidt 1900
  • Fritz Loescher: Leitfaden der Landschafts-Photographie (5. Aufl. umgearbeitet u. ergänzt v. Karl Weiß). Berlin: Union Deutsche Verlagsges. 1917


Weblinks
Beitrag Forum: Fotowiki   Geschrieben: Fr, 19. Sep 2008 19:50   Titel: Kodak Kodachrome

Kodak Kodachrome



Kodak Kodachrome ist

  1. ein von 1916–1930 produzierter Zweifarbenfilm,
  2. ein von 1935 bis heute produzierter Umkehr- bzw. Diafilm,
  3. ein eingetragener Markenname der Firma Kodak,
  4. ein Musikstück von Paul Simon.



Der Kodachromefilm war der erste kommerziell erfolgreiche Dreifarbenfilm mit natürlicher Farbwiedergabe. Seit seinem Erscheinen im Jahr 1935 bis in die 1990er Jahre war er das bevorzugte Diafilmmaterial vieler Berufsfotografen und anspruchsvoller Fotoamateure. Kodachrome weist eine hohe Schärfe, Feinkörnigkeit sowie lebendige Farben auf, und ist in Archiven äußerst gut haltbar. Diese Eigenschaften wurden von anderen Filmen über ein halbes Jahrhundert lang nicht erreicht, weshalb der Kodachrome einen bedeutenden Einfluss auf die Entwicklung der Farbfotografie ausübte.

Ein bezüglich der Farbwiedergabe qualitativ vergleichbarer Vorgänger, das 1907 von den Gebrüdern Lumiere auf den Markt gebrachte Autochrom, war für einen vergleichbaren kommerziellen Massenerfolg noch zu teuer und technisch zu umständlich gewesen.


Geschichte und Entwicklung


Vorgänger Zweifarbenfilm

Der technisch wie qualitativ nicht vergleichbare Vorgänger, der Kodachrome-Zweifarbenfilm, wurde zwischen 1916 und 1930 produziert und als Kinofilm genutzt. Die Aufnahmen wurden mit einer Spezialkamera mit Zwillingsobjektiv aufgenommen und dann auf Dipo-Film kopiert.

Das klassische Kodachrome

Das dem klassischen Kodachrome-Dreifarbenfilm zugrundeliegende Verfahren wurde von 1920 bis 1935 von den zwei Musikern und begeisterten Hobbyphotographen Leopold Godowsky und Leopold Mannes im Auftrag Kodaks entwickelt; diese erste Kodachrome-Emulsion wies eine Filmempfindlichkeit von 10 ASA auf. Es heißt, Godowsky und Mannes hätten bei ihren zu Kodachrome führenden Versuchsreihen in der eigenen Küche mangels korrekt genug laufender Uhren die exakte Entwicklungszeit stets durch das gemeinsame Pfeifen einer Beethovensymphonie bestimmt. Man spricht aufgrund der Namen der beiden Erfinder im Englischen auch scherzhaft davon, Kodachrome sei gemeinsam von God and Man („Gott und dem Menschen“) erschaffen worden.

Der Kodachrome-Umkehrfilm wurde erstmals im April 1935 als 16-mm-Schmalfilm vorgestellt; es handelte sich dabei um den ersten nach einem chromogenen Verfahren arbeitenden Farbfilm überhaupt sowie den „dienstältesten“ derzeit noch am Markt erhältlichen fotografischen Film.

Eigenschaften


Der Schichtträger der Kodachrome-Farbumkehrfilme besteht aus 0,135 mm dickem Celluloseacetat.

Die aufeinander abgestimmte Filmreihe bestand überwiegend aus dem K25, K64 und dem K200 mit den Filmempfindlichkeiten von 25, 64 und 200 ASA), für Super8 und 16 mm besaß darüber hinaus der K40 bis zu seinem Produktionsende 2005 eine besondere Bedeutung; Jahrzehnte zuvor war in beiden letzteren Formaten bereits die Fertigung des K25 eingestellt worden. Mittlerweile sind nur noch der K64 und K200 und das auch nur für 35 mm erhältlich, die Produktion des K25 wurde von Kodak 2002 auch für 35 mm eingestellt.

Der Kodachrome 25 besitzt eine Körnigkeit von 8 RMS, gemessen mit einem Mikro-Densitometer bei einer Messblendenöffnung von 48 µ und 12facher Vergrößerung. Das Auflösungsvermögen liegt bei einem Testobjektkontrast von 1.6:1 bei 63 Linien/mm sowie bei einem Testobjektkontrast von 1000:1 bei 100 Linien/mm (Herstellerangaben von 1998).

Der Kodachrome 64 besitzt eine Körnigkeit von 10 RMS, gemessen mit einem Mikro-Densitometer bei einer Messblendenöffnung von 48 µ und 12facher Vergrößerung. Das Auflösungsvermögen liegt bei einem Testobjektkontrast von 1.6:1 bei 63 Linien/mm bzw. bei einem Testobjektkontrast 1000:1 bei 100 Linien/mm (Herstellerangaben von 2002).

Der Kodachrome 200 besitzt eine Körnigkeit von 16 RMS, gemessen mit einem Mikro-Densitometer bei einer Messblendenöffnung von 48 µ und 12facher Vergrößerung. Das Auflösungsvermögen liegt bei einem Testobjektkontrast von 1.6:1 bei 50 Linien/mm sowie bei einem Testobjektkontrast von 1000:1 bei 100 Linien/mm (Herstellerangaben von 2002).

Funktionsweise


Der Kodachrome ist eigentlich ein dreischichtiger Schwarz-Weiß-Film. Die Schichten sind durch Farbfilter voneinander getrennt und zeichnen so die Intensität der drei additiven Grundfarben auf. Anders als bei „normalen“ Farbfilmen, die in der Regel nach dem E-6-Prozess verarbeitet werden, fehlen dem Kodachrome aber die Farbkuppler zur Farbwiedergabe; diese sind erst im Entwickler enthalten. Daher ist der Kodachrome unempfindlicher gegenüber falscher Lagerung (zu lange, zu heiß, zu feucht) als andere Farbfilme. Es soll schon originalverpackte Kodachrome-Filme gegeben haben, die (ohne tiefgekühlte Lagerung) mehr als 15 Jahre über das angegebene Haltbarkeitsdatum hinaus aufbewahrt wurden und dann nach Belichtung und Entwicklung trotzdem noch mittelmäßige Ergebnisse zeigten. Weil die Farbe erst während der Entwicklung entsteht, zählt der Kodachrome zu den chromogenen Filmen.

Das Fehlen der in die Emulsion eingebetteten Farbkuppler, die bei den E-6 Filmen diffusionsecht mit langen Molekülketten ausgeführt sein müssen, erklärt die höhere Schärfeleistung gegenüber diesen. Der Film ist daher für Großvergrößerungen optimal geeignet.

Die Entwicklung im K14-Prozess ist daher auch sehr aufwändig und muss in mehreren Schritten erfolgen. Sie wird nur von Kodak selbst durchgeführt und ist bereits im Filmpreis enthalten (nur Europa).

Kodachrome-Filme hatten immer nur Bedeutung als Film im professionellen bzw. semiprofessionellen Bereich. Diafilme auf der Basis des wesentlich einfacher zu handhabenden E-6-Entwicklungsprinzips sind marktbeherrschend.

Vor- und Nachteile


Die Kodachrome-Filme zeichnen sich allgemein aus durch ihre sehr hohe Schärfe, ihre äußerst natürliche und nuancenreiche Farbwiedergabe – vor allem von Hauttönen – und die hohe Farbbeständigkeit. Letztere Eigenschaft machte ihn lange Zeit zum bevorzugten Film für Anwendungen in Archiven (Museen, Kunstarchive).

Kodachrome ist das einzige Diamaterial, das in den dunklen Partien rotstichig wird, während andere Diafilme blaustichig werden. Dies verleiht Kodachrome-Dias einen wärmeren Bildeindruck. Die stärkere Betonung von Grüntönen führt zudem zu einem subjektiv verbesserten Bildeindruck von Landschaften, da Menschen Grün stark wahrnehmen.

Tests haben gezeigt, dass die hohe Haltbarkeit der Kodachrome-Farbstoffe nur für den Fall der Aufbewahrung im Dunkeln gilt, hier ist Kodachrome allen anderen Diafilmen für die bildmäßige Fotografie, die sämtlich nach dem E-6-Verfahren arbeiten, überlegen. Anders verhält es sich mit der Stabilität der Farbstoffe bei der Projektion: Der enorme Lichtdurchsatz während der Projektion führte bei Tests schon nach einer Stunde zu einem merklichen Ausbleichen (Dichteverlust von 0,1) von Kodachrome-Dias, E-6-Diamaterialien (z. B. Kodak Ektachrome, Agfachrome, Fujichrome) zeigten sich hier stabiler. Kodachrome-Dias sollten deshalb unbedingt in vollkommener Dunkelheit aufbewahrt werden!

Zukunft


2004 gab Kodak die Einstellung der Produktion analoger Kameras, sowie die Einstellung der Weiterentwicklung analogen Filmmaterials bekannt (wobei 2007 allerdings wieder neue Emulsionen vorgestellt wurden). Das Angebot an analogen Filmen wurde reduziert. Seit November 2006 gibt es nur noch ein Entwicklungslabor für Kodachrome weltweit, in den USA. Abzusehen ist, dass langfristig durch die Verbreitung der Digitalfotografie analoge Filme nur noch im Spezialhandel verfügbar sein werden und die Angebotsbreite sinken wird.

Digitalisierung (Scannen)


Ein gerahmtes Kodachrome-Dia lässt sich wie jedes andere Dia in einen Dia-Scanner einlegen. Das Ergebnis nach einem herkömmlichen Scan-Vorgang aber wird in fast allen Fällen nicht zu gebrauchen sein; meist wird es sehr blaustichig ausfallen. Einige Hersteller bieten in ihrer Scan-Software spezielle Kodachrome-Farbprofile zur Auswahl, die dies verhindern sollen. Für wirklich farbechte Scans ist allerdings eine IT8-Kalibrierung notwendig.

Da Kodachrome-Dias besonders feinkörnig sind, warten sie mit einem sehr hohen Auflösungsvermögen und einem sehr großen Dichteumfang auf. Möchte man bei der Digitalisierung hier keine Verluste in Kauf nehmen, ist also ein hochauflösender Scanner (min. 3000 dpi) mit großem Dichteumfang nötig.

Nahezu jedes Dia weist gewisse unerwünschte Defekte wie Staub, Kratzer, Fingerabdrücke und ähnliche auf, die heutzutage normalerweise schon beim Scannen erkannt und entfernt werden. Beim Scannen von Kodachrome-Dias gestaltet sich dieses jedoch schwierig. Viele Scanner besitzen einen zusätzlichen Infrarotkanal, dessen langwelliges Licht zwar durch das Dia jedoch nicht durch Staubpartikel dringt; so kann Staub sehr zuverlässig identifiziert und entfernt werden. In den Kodachrome-Dias (und auch in vielen Schwarzweiß-Dias) sind Silberhalogenide enthalten, die wie Staub das infrarote Licht reflektieren. Dies führt dann zu sehr verwaschenen Scans. Erst 2004 hat Nikon mit dem Super Coolscan 9000 ED den bisher einzigen Scanner auf den Markt gebracht, der mit Hilfe verbesserter Technologie (ICE Professional) zuverlässig staub- und kratzerfreie Scans von Kodachrome-Dias anfertigen kann. LaserSoft Imaging setzt seit Mitte 2008 in ihrer Software Silverfast eine weiterentwickelte Version der Staub- und Kratzerentfernung (iSRD) ein, die mit allen Nikon Filmscannern lauffähig ist und qualitativ hochwertige Ergebnisse erzielt.

Kodachrome-Song


1973 komponierte Paul Simon das Lied Kodachrome, das von seiner Jugend erzählt und bei dem Kodachrome-Filme eine wichtige Rolle spielen. Er widmete es dem Hersteller Kodak. Er sang das Lied auch 1981 bei der Wiedervereinigung von Simon & Garfunkel im New Yorker Central Park.

Siehe auch


  • Konfektionierung
  • Aufnahmeformat
  • Zelluloidfilm und Sicherheitsfilm
Beitrag Forum: Fotowiki   Geschrieben: Mi, 30. Apr 2008 11:28   Titel: Nachtfotografie


Nachtfotografie/Nachtaufnahmen


Nachtaufnahmen oder auch Nachtfotografien wird ein Bereich der Themenfotografie bezeichnet, bei dem fotografische Aufnahmen bei speziellen Lichtverhältnissen – in der Dämmerung, bei Anbruch der Nachtstimmung sowie in Form von Langzeitbelichtungen in der Nacht unter Verwendung von Belichtungszeiten von einigen Sekunden bis Minuten durchgeführt werden. Sie bilden eine besonders schwierige Gruppe von fotografischen Aufnahmen. Die bevorzugten Motive sind Architektur, Stadtansichten oder Landschaften. Nicht selten werden auch Himmelsobjekte in das Motiv mit einbezogen, so dass der Übergang zur Astrofotografie fließend ist. Verwandte fotografische Genres sind die Astro- und die Landschaftsfotografie, in denen ähnliche Arbeitstechniken und Bildgestaltungen verwendet werden.

In Nachtfotografien treten aufgrund der relativ langen Belichtungen (einige Sekunden bis Minuten) fotografische Effekte wie der Schwarzschildeffekt (in der analogen Fotografie) oder vermehrtes Rauschen (in der digitalen Fotografie) in Erscheinung (siehe Abschnitt Erläuterung einzelner Effekte).

Voraussetzung für Nachtfotografien ist ein sicherer Stand der Kamera, hier bietet sich die Nutzung eines Stativs an. Lichtstarke Wechselobjektive helfen bei der Bildgestaltung, da sie ein vergleichsweise helles Sucherbild ermöglichen. Hochempfindliche Filme können eingesetzt werden, um den Schwarzschildeffekt zu reduzieren, häufig wird jedoch mehr Wert auf die bessere Schärfe, geringere Körnigkeit und kräftigere Farbwiedergabe normalempfindlicher Filme gelegt. Eine besonders attraktive Zeit für Nachtfotografien ist die so genannte Blaue Stunde, also die Dämmerung.

Aus technischer Sicht sind auch die meisten Fotografien von Sonnenuntergängen zu den Nachtaufnahmen zu zählen. Verglichen mit anderen fotografischen Genres kennzeichnen Nachtaufnahmen folgende Merkmale, die auftreten können, aber nicht alle müssen:
  • wenig Licht (z. B. während der so genannten Blaue Stunde),
  • Kunstlicht mit unsicherer Bestimmung der Farbtemperatur,
  • Verwendung aufwändigerer Technik als sonst üblich.


Die Available-Light-Fotografie ist im Gegensatz zu Nachtaufnahmen nicht an Tageszeiten gebunden. In der Available-light-Fotografie werden vergleichsweise kurze Belichtungszeiten verwendet. Ihr gestalterisches Ziel ist das Einfangen der Lichtstimmung vor Ort auch tagsüber z. B. in geschlossenen Räumen, ohne Zuhilfenahme zusätzlicher Lichtquellen wie Blitzlicht.



Besonderheiten


Bei Nachtaufnahmen sind einige Besonderheiten zu beachten, die sonst nicht oder weniger intensiv auftreten:

  • Filmkorn bzw. Bildrauschen
  • Lichthof
  • Schwarzschildeffekt


Gerade bei Nachtaufnahmen erreicht man oft enttäuschende Ergebnisse, weil das fertige Bild nicht die Stimmung wiedergibt, die man selbst erlebt hat. Dies betrifft insbesondere Farbtemperatur und Filmkorn bzw. Rauschen sowie Bildunschärfen wegen der sehr langen Belichtungszeiten und großen Blendenöffnungen.

Filmempfindlichkeit

Dabei ist es unerheblich ob man analog oder digital fotografiert: Es gibt sowohl hochempfindliche Filme als auch ebenso lichtempfindliche Digitalsensoren (handelsüblich derzeit bis ISO 3200/36° ohne Push-Entwicklung). Im Gegensatz zur Available-Light-Fotografie wird man für Nachtaufnahmen meist jedoch aufgrund der höheren Farbsättigung und des geringeren Korns niedrigempfindliche Filme einsetzen; dabei muss allerdings der Schwarzschildeffekt in der Belichtungszeit kompensiert werden.


Farbwiedergabe


Aufgrund der Fähigkeit der menschlichen Wahrnehmung zur chromatischen Adaption können Menschen die exakte Farbtemperatur einer Lichtquelle nicht objektiv beurteilen; die subjektiv wahrgenommene Farbstimmung weicht darüber hinaus auch von der Sensibilisierung der fotografischen Emulsion bzw. vom automatischen Weißabgleich der Kamera ab, da diese auf standardisierte „Normalbedingungen“ eingestellt sind; bei Nachtaufnahmen kommt in der Praxis häufig noch als zusätzliche Problematik das Mischlicht aus Lichtquellen unterschiedlicher Farbtemperatur hinzu.

Objektivieren kann man diese Effekte nur mit Hilfe eines fotometrischen Belichtungsmessers (z. B. Gossen Mastersix in Verbindung mit Vorsatzgerät PROFi-color), wobei allerdings für exakte Messungen eine Lichtintensität von mindestens 10 Lux erforderlich ist (etwa 60-Watt-Glühbirne auf 1,5 Meter Entfernung in einem abgedunkelten Raum). Gerade unter den Bedingungen einer Nachtaufnahme wird es also für den Fotoamateur schwierig, die Lichtsituation objektiv zu bestimmen. Faustregeln gibt es nicht. Mit ein wenig Erfahrung und einer Farbtemperaturtabelle lassen sich jedoch die Wirkungen von Kunstlicht auf fotografische Emulsionen oder digitale Sensoren recht gut abschätzen.

Körnung und Rauschen

Die grobe Körnung eines fotografischen Films wird von manchen Fotografen gerne in Kauf genommen und als Effekt bewusst eingesetzt; legt man jedoch Wert auf eine feine Körnung und hohe Kantenschärfe, sollten Filme mit Empfindlichkeiten über ISO 200/24° unbedingt vermieden werden. Eine höhere Präzision der Belichtung erzielt man mit Diafilmen, während Negativfilme einen höheren Belichtungsspielraum bieten. Spezialfilme wie z. B. 'Kodak Professional Ektapress Film PJ800' können bis 6400 ASA belichtet werden und haben dabei eine noch akzeptable Körnung, die mit herkömmlichen 400-ASA-Filmen vergleichbar ist. Allerdings sind solche Filme und deren Entwicklung sehr teuer.

In der Digitalfotografie weisen nahezu alle aktuellen Kameramodelle ein Dunkelrauschen auf, das teilweise durch Algorithmen der Kameraelektronik kompensiert – oder auch verschlimmert – wird. Zu den besten Ergebnissen gelangt man mit Empfindlichkeitseinstellungen um 100 ASA in Verbindung mit dem jeweiligen Rohdatenformat der Kamera.

Das Rohdatenbild lässt sich dann bei der Bildbearbeitung mit speziellen Hilfsprogrammen wie Noise Ninja oder Neatimage, gezielt entrauschen und beispielsweise mit Photokit Sharpener oder FocalBlade nachschärfen. Soll das Rohdatenformat vermieden werden, hilft zweimaliges Belichten, zuerst mit offenem Verschluss und dann mit geschlossenem,so kann die Kamera das Rauschen teilweise herrausrechnen.


Erläuterung einzelner Effekte


Die folgenden Bilder wurden mit verschiedenen Aufnahmetechniken angefertigt und zeigen einige der vorher beschriebenen Effekte:

Unschärfe

Image


Passeig de Gracia in der Innenstadt von Barcelona


Aufnahmetechnik:

  • EXA Rheinmetall
  • 2,8/50 Festbrennweite
  • KodaChrome 25
  • f=5,6 / ca. 2 s


Obwohl die Kamera an eine Laterne gedrückt wurde, ist das Bild insgesamt unscharf, bei den Menschen erscheint unabwendbar Bewegungsunschärfe.

Farbtemperatur

Image

Tossa de Mar an der spanischen Costa Brava

Aufnahmetechnik:

  • Canon EOS 50 E
  • 1,8/50 Festbrennweite
  • Kodak Gold 100
  • f=2,0 / 1/15 s


Der Farbstich fällt besonders im rechten Bildteil auf. Das gesamte Bild wirkt wesentlich wärmer als es ursprünglich der Fall war. Die Beleuchtung der Burg erfolgt mit wärmeren Lampen als die Straßenbeleuchtung. Die Lampen wirken zwar wärmer, als sie in der Aufnahmesituation wahrgenommen wurden, dies wird aber im fertigen Bild meist als angenehm empfunden.

Lichthof

Image

Lichterträume im Familiengarten Eberswalde

Aufnahmetechnik:

  • Canon G5
  • f=8 / 1 s


Den Lichthof kann man bei allen im Bild sichtbaren Lichtquellen beobachten, besonders in der unteren Bildmitte und rechts beim roten Licht. Selbst die angestrahlten Blätter links oben überstrahlen.


Stimmung

Aufnahmetechnik:

  • Ricoh RDC-i 500
  • f=2,8 / 1/15 s


Das Originalbild gibt die (physikalisch) korrekten Farben wieder. Es wirkt etwas kraftlos, das Ergebnis ist nicht unbedingt befriedigend. Durch gezielte Farbkorrekturen am Computer kann die ursprünglich gesehene Stimmung bzw. eine übertriebene, kitschige Postkartenatmosphäre erreicht werden (Bilder 2 und 3).

Image

Sonnenuntergang in Dagebüll an der Nordsee, fast unbearbeitete Datei aus der Kamera

Image

Bild 2 - kanalgetrennte Tonwertkorrektur auf die tatsächlich vorhandenen Farbbereiche

Image

Bild 3 - kanalgetrennte Tonwertkorrektur mit drastischer Überbetonung des Rot- Kanals und Zurückdrängung von Grün und Blau


Aufnahmetechnik


Für Nachtaufnahmen ist sehr preiswerte Fototechnik nur bedingt geeignet. Die Kamera muss ein abschaltbares Blitzgerät besitzen und möglichst über ein Stativgewinde verfügen; bei Analogkameras sollte die Filmempfindlichkeit manuell einstellbar sein bzw. bei Digitalkameras eine manuelle Empfindlichkeitswahl möglich sein.

Als Notlösung kann man bei preiswerten Kameras den Blitz abdecken und darauf hoffen, dass die Kameraelektronik den Rest macht. Empfehlenswert ist der Belichtungsmodus manuell sowie manuelle Entfernungseinstellung, da einige Autofokus-Systeme in lichtschwacher Umgebung oft Probleme bereiten.

Lichtstarke Wechselobjektive unterstützen die Arbeit, da sie die manuelle Fokussierung mittels der Einstellscheibe vereinfachen, sie sind aber nicht zwingend erforderlich.


Weitere Beispielfotos




Hofkirche von Dresden



Am Festspielhaus Hellerau



Sternspuraufnahme mit Einbau von Landschaft



Flughafen Dresden


Siehe auch


  • Langzeitbelichtung
  • Chromatische Aberration
  • Dynamic Range Increase



Weblinks


Beitrag Forum: Ausstellung posten   Geschrieben: Di, 26. Feb 2008 18:19   Titel: 18.08.2008 - KYUNGWOO CHUN - SILENCE IS MOVEMENT
Vom 18. August 08 bis 20. September 08

18.08.2008 - KYUNGWOO CHUN - SILENCE IS MOVEMENT


17. August - 22. September 2007

Kyungwoo Chuns künstlerische Laufbahn stellte sich in den letzten Jahren als eine Brücke zwischen Korea und Deutschland dar, wo er seit Mitte der neunziger Jahre lebt.
Seine Werke leben von einer engen Beziehung zwischen Künstler und den dargestellten Protagonisten. Diese gibt Chun durch die Verlängerung der photographischen Belichtungszeit wieder, während er selbst die Regie der Szene übernimmt. Dieses Procedere wiederholt sich in Perfomances, Videos oder Photographien.
In der Ausstellung "Silence is Movement" wird das erste Mal in Deutschland die Serie "Believing is Seeing" präsentiert. Der Betrachter wird mit unscharfen Gesichtszügen konfrontiert, besonders die Augenpartien wirken abstrakt. Dadurch erreicht die Darstellung eine seltsame Leichtigkeit und Distanzierung. Chun porträtierte in dieser Serie gezielt junge Menschen, die blind sind. Die Aufnahmen wurden in einem Zeitraum zwischen dreißig und vierzig Minuten gemacht. Währenddessen näherte sich der Künstler den Protagonisten durch spezifische Fragen in Bezug auf ihre sensitive Beziehung mit der Außenwelt: inwieweit sehen sie das, was nicht gesehen werden kann oder welche sind die Vorstellungen, die das Sehen ersetzt.
Die Serie "Versus" gibt ein Doppelportrait als Untersuchung der menschlichen Beziehungen wieder. Zwei Frauen sollten sich aneinander lehnen und in dieser Position für den Zeitraum der Summe ihrer Alter verharren. Dadurch entsteht dann der Ausgangspunkt dieses Werkes, nämlich eine Performance, in der die beteiligten Personen einen starken Austausch ihrer Kraft, Konkurrenz, Persönlichkeit und Gemeinsamkeit spüren werden. Für den Betrachter wirkt diese Begegnung sehr intensiv, vergleichbar mit dem allgemeinen trivialen gesellschaftlichen Umgang.
Die Ausstellung wird von Chuns Videoarbeiten begleitet. In "Silence is Movement" untersucht der Künstler weiter gesellschaftliche Verhältnisse bei der Betrachtung einer Schülerguppe aus der Vogelperspektive. Diese wurden sitzend platziert bis die Szene von Unruhe und Unbequemlichkeit erobert wird. Der Künstler genießt aus seiner Perspektive die Reaktion der Beteiligten an seinem menschlichen Experiment.

Tereza de Arruda, Kuratorin



DNA
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Di-Fr 14-19 Uhr, Sa 11-19 Uhr und nach Vereinbarung
Beitrag Forum: Fotowissen   Geschrieben: Fr, 22. Feb 2008 19:11   Titel: Lange Zeiten Bringen Mehr Atmosphäre

Warum eigentlich immer mit "hässlichen" Xenonlicht fotografieren?!


Sehr oft bringt eine längere Verschlusszeit schönere, stimmungsvollere Bilder.
Bei der Verwendung kurzer Belichtungszeiten in Kombination mit einem Blitzlicht wird meist nur das Vordere Hauptmotiv auf dem Foto optimal belichtet dargestellt. Alles, was seitlich davon oder hinter der Blitzreichweite liegt, verschwindet im Dunkeln. In großen Innenräumen (z.B. Kirchen, Weinkellern oder Grotten) kann die Umgebung ins Bild eingebunden werden, wenn der Fotograf länger belichtet und so das Umgebungslicht mit nutzt. Dadurch bleibt im Foto die Tiefe des Raumes erhalten. In einer relativ dunklen Umgebung kann eine Belichtungszeit von bis zu einer halben Sekunde sinnvoll sein. Menschen, die im Bild sind, können durchaus so lange still halten, wenn sie vorgewarnt werden. Die Kamera sollte jedoch auf einem Stativ befestigt werden, um Verwacklungen zu verhindern.

Heimelige Atmosphäre im Kerzenschein lässt sich genauso im Bild schaffen. In kleinerer Umgebung, an einem Tisch beispielsweise, kann eine Verschlusszeit von 1/10 Sekunde oder 1/8 Sekunde bereits ausreichend sein - dies kann durchaus noch aus der Hand fhotographiert werden (bei entsprechend kurzer Brennweite - man beachte die Reziprokale Faustregel Verwacklungsfreie Belichtungszeit=1/Brennweite. Zwar werden Personen eventuell leicht verwischt abgebildet, dies kann man durch den Einsatz des Blitzlichts aber etwas kompensieren, da zunächst ja ein scharfes, geblitztes Hauptbild entsteht, um das sich möglicherweise ein leichter Saum legt. Wenn die Szenerie mit Kerzen oder anderem weichen Licht beleuchtet ist, erscheint der Unschärfe-Saum rötlich und verleiht dem Fhoto zusätzliche Wärme.
Beitrag Forum: Fotowiki   Geschrieben: So, 30. Dec 2007 14:57   Titel: Lochkamera

Lochkamera

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Eine Lochkamera ist das einfachste Gerät, mit dem sich optische Abbildungen erzeugen lassen. Sie benötigt dafür keine optische Linse, sondern nur eine dunkle Zelle (eine camera obscura), eine kleine Öffnung in dieser Zelle und eine Abschirmung, um das entstandene reelle Bild zu betrachten.



Funktionsweise



Funktionsweise einer Lochkamera


Ähnlich wie bei einer optischen Linse erzeugt ein kleines Loch auf einer Projektionsfläche eine Abbildung von angestrahlten oder selbst leuchtenden Gegenständen. Die Zeichnung rechts zeigt zwei Strahlenbündel, die von zwei Punkten eines Gegenstands in das Loch eintreten. Der kleine Durchmesser der Blende beschränkt die Bündel auf eine kleine Öffnung und verhindert die vollständige Ãœberlappung der Lichtstrahlen. Strahlen vom oberen Bereich eines Gegenstands fallen auf den unteren Rand der Projektionsfläche, Strahlen vom unteren Bereich werden nach oben weitergeleitet. Jeder Punkt des Gegenstands wird als Scheibchen auf der Projektionsfläche abgebildet. Die Ãœberlagerung der Scheibchenbilder erzeugt ein verzeichnungsfreies Bild. Mathematisch ausgedrückt ist das Bild das Ergebnis einer Faltung aus idealer Abbildung des Gegenstands mit der Blendefläche. In der rein theoretischen Betrachtung, ist die Lochkamera das Ideal einer Kamera.


Abbildungsgeometrie einer Lochkamera


Unschärfefleck


Abbildungsgeometrie der Lochkamera

Der Abstand der Projektionsfläche zum Loch ist die Bildweite b. Löcher können im Gegensatz zu Linsen die einfallenden Lichtstrahlen nicht brechen und demzufolge auch nicht bündeln. Es existiert kein Brennpunkt (F) und keine Brennweite (f). D ist der Durchmesser des Lochs. Der Quotient b/D ergibt die Blendenzahl, analog zur Blendenzahl f/D beim Objektiv. Je kleiner die Blendenzahl ist, desto lichtstärker ist das Bild. Eine Kammer mit b=100 mm und D=0.5 mm hat eine Blendenzahl von 100mm/0,5mm = 200. Eine Vergrößerung des Lochs auf 1 mm verringert die Blendenzahl auf 100mm/1mm = 100. Die Belichtungszeit verringert sich dabei um den Faktor 4 (Verhältnis der Lochflächen: (1mm/0.5mm)2 = 4). (Zum Vergleich: Kleinbildkameras haben kleinste Blenden zwischen 1,4 und ca. 4.)

Je kleiner der Lochdurchmesser D ist, desto kleiner sind die Strahlenbündel, umso schärfer erscheint die Abbildung. Für die Größe S des Unschärfeflecks gilt dabei



Die Bildgröße eines Lichtpunkts nimmt also linear mit der Blendengröße ab. Hierdurch gewinnt das Bild an Schärfe, wenn zu einer geringeren Blendengröße übergegangen wird. Oft wird dies verwechselt mit der Vermutung, dass das Bild insgesamt mit abnehmender Blendengröße kleiner wird. Kleiner werden jedoch nur die Unschärfen, die das Bild eines beobachteten Gegenstandes an dessen Begrenzungslinien "ausfransen" lassen.

Schärfentiefe



Vergleich: Foto einer Häuserzeile mit
Lochkamera (Schwarzweißaufnahme auf Filmmaterial) und
Linsenkamera (Farbaufnahme auf Halbleitersensor)



Die Schärfe der Bilder ist von der Entfernung der abzubildenden Gegenstände zum Loch (Gegenstandsweite) nicht abhängig. Es ist also keine Entfernungseinstellung erforderlich, die „Schärfentiefe“ ist „unendlich“. (Dies ist ein grundsätzlicher Unterschied zu mit Linsen ausgestatteten Kameras, bei denen eine Entfernungseinstellung erforderlich ist und die deshalb auch als „fokussierende“ Kameras bezeichnet werden.) Die Bilder sind jedoch nie ganz scharf, da das Loch aus Gründen der Lichtstärke und Beugung nicht beliebig klein gewählt werden kann. Bei großen Bildweiten (starke Vergrößerungen) hat die Lochkamera jedoch ein befriedigendes Auflösungsvermögen, feine Details lassen sich befriedigend erkennen.

Unabhängig von der Lichtstärke bildet die Wellenlänge des Lichts eine unter Grenze für D. Beugungserscheinungen treten bei allen Wellenlängen auf. Rot wird etwas stärker als Blau gebeugt.

Bildgröße



Bildgröße bei der Lochkamera


Bezeichnet G die Gegenstandshöhe ( = tatsächliche Größe des betrachteten Gegenstandes), g die Gegenstandsweite (= Abstand des Gegenstandes von der Lochscheibe), b die Bildweite (= Abstand von der Lochscheibe zur Mattscheibe) und B die Bildhöhe (= Höhe des erzeugten Bildes auf der Mattscheibe), so gilt:


Diese Gleichung ist aus der geometrischen Optik auch als 1. Linsengleichung bekannt, sie gilt in gleicher Weise für fokussierende Kameras. Die Bildgröße hängt also nur von den Abständen ab, nicht jedoch von der Blendengröße bzw. Lochgröße.

Anwendungen


Spalte im Korbgeflecht erzeugen Sonnenbildchen links an der Wand.

Im Alltag beobachtet man zuweilen Abbildungen an kleinen Öffnungen. Das Bild rechts zeigt einen Korbstuhl, der seitlich von der Sonne beschienen wird und links an der Wand einen Schatten wirft. Die engen Spalte des Korbgeflechts erzeugen Lichtmuster auf der Wand in Form runder Scheibchen einheitlicher Größe. Hierbei handelt es sich um Abbilder der kreisförmigen Sonne, nicht etwa um Umrisse des Geflechts.

Ähnliches beobachtet man im Wald, wenn Zwischenräume in dichtem Blattwerk die Sonne auf dem Boden als verschwommene Kreisscheiben abbilden (sogenannte Sonnentaler). Wer den Grund dafür nicht kennt, ist dann sehr überrascht, dass bei einer partiellen Sonnenfinsternis diese Sonnentaler als „Halbmöndchen“ erscheinen.

Auch werden Lochblenden als abbildende Linsen für Röntgenstrahlung eingesetzt. Denn, anders als für sichtbares Licht, gibt es für diese kurzwellige Strahlung keine Materialien mit geeigneter Brechzahl, aus denen sich Linsen herstellen ließen.

Auswirkungen der Lichtbeugung


Beugungserscheinungen an der Lochblende setzen der klassischen Betrachtungsweise Grenzen. Der Durchmesser S des Unschärfeflecks vergrößert sich dadurch um den Durchmesser ΔS des Beugungsscheibchens. Für diesen gilt vereinfacht:



Dabei ist c eine Konstante, die hier mit ≈ 1 µm angenommen werden kann.

Nach der strahlenoptischen Betrachtung nimmt die Größe des Unschärfeflecks linear mit der Blendengröße ab (siehe oben). Die Lichtbeugung zeigt ein umgekehrtes Verhalten: Die Unschärfe verhält sich umgekehrt proportional zum Lochdurchmesser. Der optimale Durchmesser Dopt ist der Wert, für den beide zusammen am kleinsten sind. Die Extremwertsuche liefert:



Für g>>b gilt die Näherung: .

Mit c = 1 µm liefert die Formel den Wert für Dopt in Millimeter, wenn b in Meter eingesetzt wird.

Der optimale Durchmesser ist damit ein wenig kleiner als die innere Zone einer Fresnel-Zonenplatte.

Beispiele:

<table>
<tr>
<th> Bildweite <b>b</b> (Länge der Lochkamera)</th>
<td> Optimale Blendenöffnung <b>D<sub>opt</sub></b> für weit entfernte Objekte</td>
<td> Größe des Unschärfeflecks <b>S</b> für unendlich entfernte Objekte</td>
<td> Blendenzahl <b>b/D</b>
</td>
</tr>
<tr>
<th> 1 cm</th>
<td> 0,1 mm</td>
<td> 0,11 mm</td>
<td> 100</td>
</tr>
<tr>
<th> 10 cm</th>
<td> 0,32 mm</td>
<td> 0,63 mm</td>
<td> 312</td>
</tr>
<tr>
<th> 1 m</th>
<td> 1 mm</td>
<td> 2 mm</td>
<td> 1000</td>
</tr>
<tr>
<th> 10 m</th>
<td> 3,2 mm</td>
<td> 6,3 mm</td>
<td> 3100</td>
</tr>
</table>


Die „Optimierung“ bezieht sich hierbei ausschließlich auf die Bildschärfe! Die Lichtstärke dieser Kameras (abzulesen an der Blendenzahl in der letzten Spalte) ist sehr gering. Bei Belichtung auf Filmmaterial ist selbst bei hellem Sonnenschein der Schwarzschildeffekt zu berücksichtigen!


Vergleich zur fokussierenden Kamera

Im Vergleich zu denen einer fokussierenden Kamera sind die Bilder einer Lochkamera in der Regel unschärfer, da das Loch wegen der Lichtstärke und wegen der Lichtstreuung nicht beliebig klein gewählt werden kann. Bei großen Bildweiten (starken Vergrößerungen) lässt sich mit einer die Lochkamera jedoch ein besseres Auflösungsvermögen erreichen als mit einer fokussierende Kamera mit kurzer Brennweite. Außerdem sind ihre Bilder frei von Verzeichnungen und Farbsäumen

Schließlich ist zu beachten, dass bei einer fokussierenden Kamera bei einer gegebenen Fokussierung immer nur die Gegenstände in einer bestimmten Gegenstandsweite scharf abgebildet werden. Je nach der Blendenzahl nimmt die Schärfentiefe für davor oder dahinter liegende Gegenstände rasch ab. Dies ist jedoch nicht auf die Eigenschaften einer linsenlosen Kamera (Lochkamera) oder einer linsenbehafteten Kamera (in diesem Fall fokussierenden Kamera) zurück zu führen, sondern beruht auf dem (optischen Gesetz) Zerstreuungskreis.


Experimente



Foto, aufgenommen mit einer Lochkamera aus Beton


Das Funktionsprinzip einer Lochkamera sowie die Lichtausbreitung lassen sich gut mit einfachen, auch für Kinder geeigneten Experimenten verdeutlichen. Lochkameras lassen sich aus Streichholzschachteln, Getränke- oder Keksdosen bauen - aber selbst Wassertonnen oder Baucontainer kommen in Frage.

Zum Beispiel kann eine Kiste oder Dose innen matt geschwärzt und an einer Seite mit einem 0,2…1 mm großen Loch versehen werden. Ist die Lochkamera zum Betrachten von Bildern gedacht, so ist die Rückseite eine Mattscheibe (Transparentpapier), die durch eine Röhre oder ein Tuch vor Streulicht geschützt ist.

Man kann mit einem solchen Behälter aber auch wirklich fotografieren. Dazu wird bei absoluter Dunkelheit ein Film oder anderes lichtempfindliches Material auf der dem Loch gegenüberliegenden Innenwand fixiert und das Loch dann dicht verschlossen. Anschließend wird bei Helligkeit das Motiv gewählt, der Verschluss geöffnet und nach Ende der Belichtungszeit wieder verschlossen. Die Dauer der Belichtung ist (wie bei der herkömmlichen Fotografie) von vielen Faktoren abhängig: der vorhandenen Lichtintensität, der Größe des Lochs, der Länge des Lichtweges und der Bewegung des Motivs; sie kann zwischen 1 Sekunde und mehreren Minuten betragen. Bei der Entwicklung des Films entsteht ein Negativ, das ggf. durch eine Kontaktkopie zu einem Positiv verarbeitet werden kann. Für ein gutes Ergebnis ist eine exakte Rundung des Lochs wichtig. Ausgefranste Lochränder verstärken die oben beschriebene Lichtbeugung und führen zu unscharfen Bildern. Da bei größeren Bildwinkeln die Ränder des Negativs deutlich weniger Licht erhalten, bleiben sie (bei gleicher Helligkeit des Objektes) heller; das Positiv wird am Rande also dunkler. Wenn dieser Vignetteneffekt unerwünscht ist, muss man beim Umkopieren durch manuelles Abwedeln für eine gleichmäßige Belichtung sorgen.


AV1, zur Lochkamera umgebaut

Eine weitere Möglichkeit, sich eine Lochkamera selbst zu schaffen, besteht im einfachen Umbau eines analogen Fotoapparates. Dieser muß dazu lediglich über eine Wechseloptik verfügen, damit man das Objektiv vollständig entfernen kann, sowie eine Auslösemöglichkeit, bei der der Verschluss sich beliebig lange offenhalten lässt. Die Optik wird entfernt und durch eine Blindkappe ersetzt, die mit einer entsprechenden Bohrung versehen wird. Optimal ist ein kleiner Vorsatzhalter für verschiedene Lochblenden. Diese Konstruktion bietet den Vorteil, dass man mehr als nur „einen Schuss“ hat und den eingelegten Film (schwarz/weiss oder farbig) hinterher zum Entwickeln abgeben kann, also keine Dunkelkammer oder sonstiges Zubehör benötigt.


künstlerische Aspekte


Bestimmte Eigenschaften der Lochkamera-Fotografie haben Künstler schon immer fasziniert. Dazu gehört in erster Linie die grafisch-flächige Wirkung solcher Fotografien: durch die gleichmässig über das Bild verteilte Schärfentiefe tritt die räumliche Wahrnehmung des Objekts zurück - alles "wirkt wie gezeichnet". Ein weiterer Aspekt ist die Tatsache, dass sich schnell durch das Bild bewegende Objekte bei langen Belichtungszeiten nicht mehr auf dem Foto wiederfinden: es ist somit z. B. möglich, den Markusplatz in Venedig oder den Stachus in München völlig ohne Menschen oder Fahrzeuge abzulichten. Andererseits ergibt sich aus dieser Tatsache, dass eine Landschaftsaufnahme möglichst bei völliger Windstille erfolgen muss, wenn man keine Verwischungen in den Ästen der Bäume haben will. Der Effekt der Mehrfachbelichtung kann jedoch gerade bei Portrait-Aufnahmen gewünscht sein; es verleiht diesen Aufnahmen eine besondere Lebendigkeit.


Literatur


deutsch

  • Thomas Bachler: Arbeiten mit der Camera obscura, Lindemanns 2001, ISBN 3895062227
  • Reinhard Merz und Dieter Findeisen: Fotografieren mit der selbstgebauten Lochkamera, Augustus Verlag, Augsburg, 1997, ISBN 3-8043-5112-3
  • Peter Olpe: Die Lochkamera - Funktion und Selbstbau, Lindemanns Verlag, Stuttgart 1995, ISBN 3-928126-62-8 und Lochkamera. Lindemanns 2001. ISBN 3895061727
  • Ulrich Clamor Schmidt-Ploch. Die Lochkamera. Abbildungsoptimierung. Physikalische Hintergründe. BoD GmbH, Norderstedt 2001. ISBN 3831112614


englisch

  • John Warren Oakes: Minimal Aperture Photography Using Pinhole Cameras, ISBN 0819153702 & 0819153699


Bauanleitungen






Weblinks




Quelle

Teile des Artikels inkl. Bilder entstammen dem Artikel Lochkamera von de.wikipedia.org. Dort findest Du weitere informationen über Autoren, Urheberrecht und Lizenzen.

Kategorie:
Beitrag Forum: Fotowiki   Geschrieben: Sa, 29. Dec 2007 18:16   Titel: Bildgestaltung

Bildgestaltung



Bildgestaltung ist die Anordnung und Verbindung formaler Elemente in einem Kunstwerk.

Psychologische Grundlagen


Aufmerksamkeit

Die Aufmerksamkeit ist die Fokussierung eines Sinnes (hier des Sehens) auf einen bestimmten Sinneseindruck. Der Bildteil, auf den die Aufmerksamkeit eines Betrachters gelenkt ist, wird weitaus schärfer und brillanter wahrgenommen als der Rest des Blickfeldes. Das liegt sowohl an der Verarbeitung durch das Gehirn als auch am Aufbau des Auges. Die Aufmerksamkeit muss also zugeteilt werden. Der Mensch konzentriert seine Aufmerksamkeit zumnächst auf potentiell interessante Bildelemente.

Darstellungen mit Eigenschaften, die in der realen Welt selten sind oder nicht vorkommen, ziehen die Aufmerksamkeit des Betrachters auf sich (etwa grelle, unnatürliche Farben). Ein weiterer Aspekt ist die Aufmerksamkeitszuwendung zu Bildteilen, die sich deutlich von den meisten anderen unterscheiden. Diese Differenz kann sich in verschieden Arten ausdrücken. Von diesen Aspekten unterscheidet sich die Aufmerksamkeitszuwendung aus emotionellen Gründen erheblich. Hierbei wendet sich der Betrachter Darstellungen zu, zu denen er eine emotionale Beziehung hat. Das gilt am häufigsten für Darstellungen von Menschen oder Gesichtern.

Gestaltungselemente


Bei der Bildgestaltung können verschiedene Gestaltungselemente angewandt werden. Diese können auf die Wirkung des Gesamtbildes einen erheblichen Einfluss haben. Im folgenden sind allgemeine Stilmittel beschrieben.

Farbe

Eine Farbe setzt sich aus drei Komponenten zusammen: Farbton, Sättigung und Helligkeit. Farben und sich daraus ergebende Kontraste wirken meist sehr emotional und direkt auf den Betrachter. In der Analyse der Stilmittel im Bezug auf Farben, kann man zwei Aspekte unterscheiden: Die einzelne Farbe und die Wirkung verschiedenen Farben untereinander.

Farbe an sich

Schon eine einzelne Farbe hat eine bestimmte Wirkung auf den Betracher. Diese beruht auf Assoziationen mit Erfahrungen und kulturellen Farbsinnbildern. Für die rein emotionelle Wirkung sind die Assoziationen aus Erfahrung entscheidend. Beispielsweise werden Gelb und Rot mit Wärme (Feuer, Hauterrötung), Blau dagegen mit Ferne, und Kälte (Wasser, Himmel, Eis) assoziiert. Eine warme Farbe wird meistens etwas emotionaler assoziert und zieht deshalb auch mehr Aufmerksamkeit auf sich.

Die kulturelle Bedeutung der Farben variiert dagegen stark. Während im westlichen Kulturkreis Gelb auch als die Farbe des Neides und der Falschheit steht, hat diese Farbe im Buddhistischen Kulturkreis eine sehr hohe und positive Stellung.

Kontraste

Image





















Harmonischer Farbkontrast

Verschieden Farben bilden Kontraste. Farben können sich, wie erwähnt, in Helligkeit, Farbton und Sättigung unterscheiden. Je stärker sich eine Farbe in einer oder mehrerer dieser Eigenschaften von der anderen unterscheidet, desto stärker der Kontrast. Besonders starke Kontraste können „flimmern“ und ein unangenehmes Gefühl hervorrufen. Das geschieht besonders bei hoher Helligkeit und Sättigung beider Farben, aber stark differierenden Farbtönen. Der Kontrast zwischen Farbtönen wird vom Menschen auch besonders deutlich wahrgenommen, weshalb Farbe und Farbton häufig gleichgesetzt werden.

Harmonien

Zusammenstellungen von Farben bilden Farbharmonien. Ob der Betrachter das Zusammenspiel der Farben als harmonisch empfindet, ist teilweise Subjektiv und von Modeströmungen und Sehgewohnheiten abhängig. Eine häufig angewandte Harmonie besteht aus mehreren ähnlichen Farben, denen eine Akzent- oder Kontrastfarbe gegenübersteht.

Form

Die Form eines Bildelementes in einem Bild ergibt sich durch den (realen) Umriss des Elementes und durch die gedachte dreidimensionale Form, die sich aus den Licht-Schatten-Verhältnissen ergibt. Ebenso wie Farbe werden Formen unbewusst mit bestimmten abstrakten Eigenschaften assoziert. Diese ergeben sich aus unseren Seherfahrungen. Beispielhaft seien hier die häufigen Assoziationen der Grundform des Kreises mit „weiblich“, „weich“ und „emotional“ und denen mit der Form des Quadrates als „männlich“, „bestimmt“ „hart“ und „rational“ genannt.

Die Form eines Objektes ist entscheidend für das Erkennen und Einordnen eines dargestellten Objektes. Dazu reicht bei einfachen Objekten häufig der einfache Umriss aus. Bei komplexeren Formen muss auch die Dreidimensionalität interpretiert werden, um das Objekt als einen bestimmten Gegenstand erkennen zu können.

Linien

Linien bilden sich an Objektkanten durch Farbkontrast oder durch gedankliches Verbinden von Bildelementen. Letztere sind daher subjektiv, dennoch ist das Sehverhalten der meisten Menschen ähnlich. Beispielsweise werden meistens die Bildschwerpunkte oder ähnliche Objekte miteinander in Verbindung gebracht. In der modernen Malerei und Computergrafik sind Linien oft ein wesentliches Bildelement.

Raum

Image








Schematische Darstellung der Zentralperspektive

Da Bildkomposition auf einem zweidimensionalen Medium stattfindet, ist Raum in der Bildgestaltung eine optische Täuschung. Um Raum zu simulieren, gibt es verschiedene Techniken. Die deutlichste ist dabei die Anwendung von Perspektive. Hierbei werden dreidimensionale Objekte auf einer zweidimensionalen Fläche so abgebildet, dass ein räumlicher Eindruck entsteht. In der Bildkomposition wird häufig die Zentralperspektive angewandt, die unserem Seheindruck am nächsten kommt. Farben können die Raumwarnehmung auch beeinflussen. Brillante Farben erscheinen näher, blasse, kalte und helle Farbtöne weiter entfernt. Das liegt vermutlich an unseren Seherfahrungen, da durch den Dunst in der Luft die Farben in der Entfernung verblassen.

Haptik

Obwohl das Empfinden der Haptik dem Tastsinn zugeordnet ist, kann die Haptik einer Oberfläche oft auch durch visuelle Eindrücke eingeschätzt werden. Typische Oberflächenhaptiken zeigen auch ein typisches visuelles Verhalten. So sind matte Oberflächen nur wenig rau, spiegelnde Oberfläche werden als glatt identifiziert, und sehr raue Oberflächen können an ihrem feinen Hell-dunkel-Muster erkannt werden.

Komposition


Die Komposition ist die eigentliche Bildgestaltung. Hierbei werden die formalen Elemente zu einem Kunstwerk zusammengefügt.

Gewichtung der Bildelemente

Das „Gewicht“ eines Bildelementes ist mit der Aufmerksamkeit, die es auf sich zieht, gleichzusetzen. Das Gewicht eines Bildelementes ist somit genauso subjektiv wie die Aufmerksamkeit. Die Verteilung der verschieden gewichteten Bildelemente entscheidet über die Gesamtwirkung des Bildes nach Ruhe oder Spannung. Eine Komposition, die sehr gleichmäßig gestaltet ist, erzeugt meistens einen ruhigen Eindruck.

Komposition der formalen Elemente

Die Art der Bildkomposition ist von den Intentionen des Künstler abhängig. Dazu gehören subjektive Empfindungen und die Schaffung einer gewünschten Bildaussage. Zur Kompositionshilfe gibt es mehrere Prinzipien, die meist harmonische Verhältnisse zwischen Bildelementen herstellen. Dazu gehören der Goldene Schnitt, die Dreieckskomposition und Gestaltungsraster. Sie finden oft im Grafikdesign und Layouts Anwendung. Dabei orientiert sich die Verteilung von Bildelementen an einem (unsichtbarem) Raster. Die Nutzung dieser Mittel ist jedoch eher als Kompositionshilfe und nicht als Garantie für ein gutes Bild zu betrachten. Auch in der Gesammtkomposition ist der Elementare Ausdruck von Ruhe oder Spannung zu beachten: Eine Komposition, die sehr gleichmäßig gestaltet ist, erzeugt meistens einen ruhigen Eindruck. Dementsprechend entsteht Spannung durch weniger gleichmäßige und kontrastreiche Komposition.

Mittel zur Bildgestaltung


Das bildgestalterische Konzept muss in einer Technik gestaltet werden. Die häufigste Unterscheidung verläuft zwischen Fotografie und Malerei. Die Malerei selbst gliedert sich wieder in verschiedene Techniken und Stilrichtungen.

Beim Zeichnen und in der Malerei

Diese beiden Kunstformen ermöglichen eine freiere Komposition als das Fotografieren. Hier sind etwa durch die Wahl der Farb-Qualität (Aquarell, Tempera, Öl oder Kunststoff) oder die (leichte) Dreidimensionalität bei Collagen vielseitige Möglichkeiten der Komposition gegeben. Auch die Malgründe spielen eine Rolle (Papier, Leinwand, Holz, …). Wieder andere Bedingungen ergeben sich bei Radierungen oder Stichen.

In der Fotografie

Generell ist die Gestaltung des Bildes die entscheidende Tätigkeit beim Fotografieren, die zum Teil auch durch besondere Anwendungen der Technik bestimmt wird. Bei einem Portrait zum Beispiel kann mittels der Kameraeinstellung der Vordergrund und/oder der Hintergrund vor dem scharf abzubildenden Objekt unscharf gehalten werden. In der Architekturfotografie sind beispielsweise mit der Balgenkamera Bilder zu gestalten, die mit Kameras ohne deren Möglichkeit der Verschiebung von Film- und Objektivebene nicht darstellbar sind. Beim Fotografieren dient – mit anderen Worten – die Kenntnis der Technik oft der Gestaltung. Dies gilt insbesondere in der Tiefe des aufzunehmenden Objekts/Motivs in Richtung der Objektivachse, also bei der Umsetzung des dreidimensionalen Motivs in ein zweidimensionales Bild (Schärfentiefe).

Konstruktion des Bildes mit der Kamera

Im Bereich der Kameratechnik sind Kenntnisse über die Beschaffenheit der lichtempfindlichen Mediums (Film/Sensor), die Funktionsweise des Fotoapparats und der Belichtungsmessung von besonderer Bedeutung für die Bildgestaltung. Eine exakte Kenntnis der Mechanik (etwa des Kameraverschlusses) ist nicht zwingend erforderlich, erleichtert jedoch das Verständnis.

Für Beleuchtung im Fotostudio oder die Beurteilung der Auswirkungen verschiedener Lichtquellen auf das lichtempfindliche Medium sind Kenntnisse über das Licht erforderlich. Dazu zählen die verschiedenen Farbtemperaturen verschiedener Lichtquellen ebenso, wie die Farbtheorie.

Gestaltung in der Dunkelkammer

Zum Fotografieren gehören auch Grundkenntnisse der Filmentwicklung und zur Dunkelkammer bzw. dem Fotolabor. Für viele Fotografen – besonders im künstlerischen Bereich – ist die Ausarbeitung des Abzugs (vom Dia oder Negativ) beziehungsweise heute des Digitaldrucks von ebenso großer Bedeutung wie das eigentliche Fotografieren.

Durch den Einsatz verschiedener Fotopapiersorten von „weicher“ bis „harter“ Gradation werden die Kontraste des Bildes gesteuert. Dies gilt für die Ausarbeitung von Schwarz-Weiß-Bildern, da bei Farbbildern nur die Wahl zwischen verschiedenen Oberflächen bleibt, jedoch nicht zwischen verschiedenen Gradationen. In der Farbfotografie werden neben den klassischen Vergrößerungen mit möglichst farbneutraler Darstellung auch „Cross-Verfahren“ verwendet. Das bedeutet, es werden Filmtyp und Entwicklungsbad vertauscht, zum Beispiel ein Dia im Negativprozess entwickelt, was zu besonderen Farbverschiebungen führt.

Literatur


* Andreas Feininger: Grosse Fotolehre. Heyne-Verlag, ISBN 3-453-17975-7
* Karen Ostertag: Die Fotokomposition (Creativ Fotografieren 3). München: Laterna magica 1982
* Harald Mante: Das Foto. Bildaufbau und Farbdesign. Verlag Photographie, ISBN 3933131561
* Marlene Schnelle-Schneyder: Sehen und Photographieren. Von der Ästhetik zum Bild Springer Verlag, ISBN-13: 978-3-540-43825-0
* Pina Lewandowsky, Francis Zeischegg Visuelles Gestalten mit dem Computer Rowohlt, ISBN 3499612135

Weblink


* Darstellung von Andreas Hurni

Dieser Artikel basiert auf dem Artikel Bildgestaltung aus der freien Enzyklopädie Wikipedia und steht unter der GNU-Lizenz für freie Dokumentation. In der Wikipedia ist eine Liste der Autoren verfügbar.




Kategorien:
Beitrag Forum: Portrait   Geschrieben: Mo, 26. Nov 2007 22:07   Titel: Portraitfotografie

Porträtfotografie


Die Porträtfotografie ist eine der beliebtesten Formen der Fotografie.
In diesem Artikel werde ich die günstige Variante der Porträtfotografie beschreiben.

Licht


Sonnenlicht ist in der Regel vollkommend ausreichend für die Porträtfotografe. Es ist kostenlos, hell, gleichmäßig und hat meist die richtige Farbtemperatur.
Porträtfotografie unter blauem Himmel ist jedoch schwierig. Der Helligkeitskontrast im Gesicht der zu fotografierenden Person ist meist zu groß und ein Blitzgerät würde benötigt, um dies Auszugleichen. Ganz besonders um die Augen bilden sich hier immer ganz gerne unschöne Schatten.
Perfekt für die Porträtfotografie ist Himmel. Die Farbtemperatur ist unter diesen Umständen in der Regel passend und das Licht wird von den Wolken weich gestreut.

Das richtige Equipment


Ein Standardobjektiv (ca. 50mm Brennweite) ireicht meist aus. Besitzt man ein Teleobjektiv (ca. 130mm Brennweite und größer),sind die Ergebnisse noch besser. Je größer die Brennweite des Objektivs, desto mehr "zoomt" es rein, d.h. desto mehr vergrößert es. Dementsprechend muss man sich weiter von der zu fotografierenden Personen entfernen, um diese vollständig abzulichten. Dies hat zwar den Nachteil, dass Kommunikation erschwert wird, hat aber auch den großen Vorteil, dass das Gesicht optisch abgeflacht wird. Demenstsprechend wirkt die Nase natürlich, und nicht zu groß. Das Resultat wird dadurch erheblich verbessert. Zudem besitzen teleobjektive geringere Tiefenschärfebereiche, was für Portraits unabdingbar ist.

Technik


Da man in der Regel einen simplen, ruhigen Hintergrund haben möchte, sollte man eine größere Blende wählen, um von großer Tiefenschärfe Gebrauch zu machen. Es sollte also eine kleine Zahl für die Blende gewält werden. (z.B. f/4) Eine große Blendenöffnung hat eine kleine Blendenzahl, weil die Blendenzahl angibt, wodurch man den Abstand der ersten Linse zum Film (bzw. Bildsensor) teilen muss, um die Blendenöffnung zu erhalten.

Perspektive und Komposition


Nun habe Spaß und experimentiere ein wenig mit verschiedenen Objektiveinstellungen, sowie Kompositionen und Perspektiven.

Ausdruck


Die meisten Amateurfotografen fotografieren Menschen lachend. Doch meist macht ein ernster Gesichtsausdruck eine Porträtaufnahme erst interessant. Ein Porträtfoto sollte etwas ausdrücken, und nicht blos ein stumpfes, gefälschtes Lächeln vermitteln.

Verwandte Links:


Fotowiki-Eintrag über Portraifotografie
Fotowiki-Eintrag über Tiefenschärfe
Fotowikieintrag über Blendenzahl
Beitrag Forum: Fotowissen   Geschrieben: Sa, 10. Nov 2007 17:45   Titel: Shootings bei Nacht mit einfachen Mitteln:

Shootings bei Nacht mit einfachen Mitteln:

Outdooraufnahmen von Menschen bei Nacht (z.B. Akt, Portait, Gruppen) sind ohne ordentliche Ausleuchtung nur schwer zu realisieren. Um trotzdem brauchbare Bilder zu erzeugen bietet sich von vornheirein die Stimmung und Gestaltung der Bilder als Low-Key-Styles, vornehmlich in s/w an.

Wieso bei Nacht fotografieren?
Wer kein eigenes Studio hat, ein Mietstudio zu teuer ist, aber trotzdem ungestört fotografieren möchte (z.B. bei Akt), oder für seine Aufnahme besondere Gebäude, Landschaften oder Locations bei z.B. Akt einsetzen möchte, muss nach draussen und zwar dann, wenn keine Menschenseele unterwegs ist.


Woher Licht bekommen?
Problematisch ist, daß jeh weniger Licht vorhanden ist die Belichtungszeit länger wird. gerade bei Personenaufnahmen ist die sehr ungünstig. Abhilfe schafft da ein Handblitzgerät, welches über ein Synchronkabel mit der Kamera verbunden ist. Um die Objekte auch seitlich anzublitzen, kann man den Handblitz auf einen reflektor lenken, welcher das Licht des Blitzes auf das Objekt wirft.

Mit Blitzgeräten kann man aber noch tolleres anstellen, absolute Dunkelheit vorrausgesetzt: Kamera auf Stativ. Kamera auf Unendlich stellen und Objekt (quasi ohne Licht) belichten. Nun wird manuell ein Blitz ausgelöst. Nachher wird der Verschluss der Kamera geschlossen. Belichtet wurde der Film quasi nur im Moment des sehr kurzrn Aufleuten des Blitzes. Es sollte also nicht zu Verwacklern kommen. Auf diese Art lassen sich auch Mehrfachbelichtungen durchführen.

Der Mond und Laternen als Lichtquelle:
Bei entsprechen langer belichtungszeit oder hoher Filmempfindlichkeit lassen sich Mond und z.B. Laternen als Lichtquelle ohne Hilfsmittel nutzen. Problematisch bei Akt sind Laternen, da sie meist an Straßen stehen. Die Gefahr und unliebsamen Beobachtern ist groß. Beim Einsatz von Reflektoren kann man die Ausleuchtung durch Mondlicht verstärken.

Künstliche mitgebrachte Lichtquellen:

Autoscheinwerfer durch einen "Diffusor" geleitet (z.B. Leinentuch, Reflektor).
Man kann auch versuchen, Halogen- oder LEDleuchten geschikt zu bündeln und als Lichtquelle einsetzen. Problematisch wird nur die Sromversorgung. Bei LEDs reichen oft A oder AA Batterien. Diese muss man nur richtig in Reihe schalten und diese Module parallel schalten. nur so erhält man genügend Spannung und Stromstärke. Bei Halogen ist es Schwieriger, da diese mehr Leistung als LED benötigen. Dazu müsste man schon eine scwere Autobatterie mitnehmen, was jedoch sehr mühsam ist.
Bei kleinen Objekten (Pflanzen, kleine Tiere, ...) kann man auch Versuche mit taschenlampen wagen. Die ergebnisse können sehr interessant sein.
Beitrag Forum: Fotowissen   Geschrieben: Sa, 10. Nov 2007 17:43   Titel: Fotostudio mit einfachen Mitteln einrichten:

Fotostudio mit einfachen Mitteln einrichten:

Dazu benötigt man als erstes mal einen Raum.
Je größer der Raum, umso vielfältigere Shootings kann man machen (besonders wenn man mit langen Brennweiten experimentieren möchte.)

Dazu kommen dann noch verschiedene Hintergründe.
im Idealfall sollte man Karton von der Rolle nehmen. Den befestigt man an die Decke und lässt ihn herunter hängen und auf den Fußboden weiter laufen. Die Ecke zwischen Horizontale und Vertikale bildet man als Hohlkehle aus. Dadurch erreicht man bei beszimmten monochromen Hintergründen einen Unedlich-Effekt, d.h. der Hintergrund scheint unendlich weit weg zu sein.
Man kann auch verschiedene Stofflagen verwenden. Das Problem dabei ist jedoch der Faltenwurf. Entweder man setzt die Falten als Gestaltungsmittel ein, oder man reduziert ihre Wirkung durch längeren Abstand zur Kamera.
Für kleine Modelle, Makros, Stilleben u.v.m. reicht auch oft ein Tisch aus. Auf diesen stellt man Karton gewünschter Farbe so auf, daß man einen gescheiten Hintergrund hat. Man kann auch verschieden farbigen Katon verwenden und anstrahlen. dadurch erhält man diverse Farb- und Beleuchtungseffekte.

Was noch ganz wichtig ist: LICHT!!

Wenn man großen Wert auf Tageslicht legt, kommt man um große Fenster und Reflektoren nicht herum. Alternativ wäre der Einsatz von Tageslichtlampen. Dieses Thema beschäftigt sich aber mit dem Aufbau eines Studios aus einfachen Mitteln!! Für ausreichend und günstig habe ich aus eigener Erfahrung den Einsatz von Bauscheinwerfern empfunden. Da diese jedoch nicht die Farbtemperatur von tageslicht besitzen, kommt man um einen Weißabgleich nicht herum. Wenn man jedoch s/w fotografiert, ist die Farbtemperatur relativ egal. Der große Nachteil von Bauscheinwerfern ist jedoch die Extreme Hitze. Gerade beim Fotografieren von Menschen, Tiere, Lebensmitteln, Pflanzen und von mir aus auch Eis wird es zu Problemen kommen. Man kann aber versuchen, indirekt zu Beleuchten. Dadurch geht viel Wärmeenergie verloren. Ob sich der Einsatz von LED loht, kann ich nicht beurteilen. Es würde viel Bastelarbeit bedeuten. Die Zeit, Mühe und das geld kann man auch in eine gute Blitzanlage investieren.


Und was noch wichtig ist:
Ideenreichtum, Krativität. Objekte.
Beitrag Forum: Ausstellung posten   Geschrieben: Fr, 12. Oct 2007 21:11   Titel: 26.10.2007 - MATTHIAS HAGEMANN Still und Laut - langsame Pho
Vom 27. Oktober 07 bis 16. November 07

26.10.2007 - MATTHIAS HAGEMANN Still und Laut - langsame Photographie

Zwei Photoserien, die gegensätzlicher nicht sein können, präsentiert Matthias Hagemann in der Galerie en passant aus seiner neuen Heimat Barcelona. Die Serien mit der Camera Obscura und in der Technik des Analogstitches vereinen dabei eine sehr emotionale Bildsprache.

Mit seiner Camera Obscura sucht er in der Serie requiem die Totenstille des Friedhofs Montjuic. Der Versuch des Menschen, Vergänglichkeit und Schmerz in Stein zu hauen, fasziniert ganz besonders auf diesem Berg des Todes. Stundenlang kann man sich zwischen Mausoleen, Kreuzen und Zypressen verlieren. Einfühlsam nähert sich die Camera Obscura den Statuen der Engel, der Trauenden oder des Todes selbst, an denen seit hundert Jahren das Vergessen nagt, taucht sie in einen schwarzen Kranz. Ein Requiem für eine vergangene Epoche der Stadt. Still.

Mit seiner zweiten Serie präsentiert Hagemann mit fiesta die pulsierende Seite der Metropole Kataloniens. Mit seiner Bakelitkamera wirft er sich ins fröhliche Getümmel der Stadt. Er jubelt mit fast hunderttausend Fans im Camp Nou, feiert im Herzen der Altstadt das Stadtfest und kreist im Kettenkarussell auf dem Tibidabo, dem Berg des Lebens. Auch hier zeigt er nicht ein glattes Abbild der Geschehnisse in Hochglanz, sondern collagiert in der Kamera mit seinen Analogstitches selbst das Gefühl, Teil dieses Festes zu sein. Laut.

Image






fiesta -tibidabo diabolo, 40x180cm


Der Auftritt des Berliner Kultduos Die Goldene 3 in der Ausstellung ist ein besonderer Leckerbissen. Die Musiker Koma und Schneider haben, genau wie der Photograph, eine ganz eigene Ausdrucksform entwickelt, die mit deutschen dadistischen Texten und ungewöhnlicher Instrumentierung ihres Gleichen sucht.
Das Konzert findet am Dienstag, den 30.10.07 um 20 Uhr in der Galerie statt. Der Eintritt ist frei.

Vernissage: Fr., 26. Oktober 2007, 19-21 Uhr
Galeriekonzert „Die Goldene 3“: Di., 30. Oktober 2007, 20 Uhr
Ausstellungsdauer: 27.10. – 17.11.2007
Kalender "Camera Obscura Berlin-Barcelona 2008" in der Galerie erhältlich

Galerie en passant
Brunnenstrasse 169
10119 Berlin

U 8 Bernauer Strasse
U 8 Rosenthaler Platz
S 1 / S 2 Nordbahnhof
Tram M 8 + M 12 Brunnenstr. / Invalidenstr.

geöffnet:
Di - Fr 14 - 18 Uhr
Sa 12 - 16 Uhr
Beitrag Forum: Ausstellung posten   Geschrieben: Mi, 19. Sep 2007 18:57   Titel: 23.09.2007 - BORIS MIKHAILOV - Sandwich
Vom 23. September 07 bis 25. Oktober 07

23.09.2007 - BORIS MIKHAILOV - Sandwich

Barbara Gross Galerie, München
18. September - 20. Oktober 2007


Boris Mikhailov zählt zu den bedeutenden Fotografen unserer Zeit. Seit den sechziger Jahren entwickelt er einen Bilderkosmos, der eindringlich vom Leben der einfachen Menschen im kommunistischen Russland erzählt. Fotografie war damals an strenge Regeln und Kontrollen gebunden. Boris Mikhailov wendet sich gegen diese Vorschriften und richtet seine Kamera auf das Private und Persönliche, das Leben seiner Freunde und Bekannten, Sexualität und den schleichenden Verfall seiner Heimatstadt Kharkov.

Fast vier Jahrzehnte nach ihrer Entstehung präsentieren wir in unserer Ausstellung die Serie Sandwich. In den späten sechziger und siebziger Jahren entstanden, steht sie für die poetische Seite seines konzeptuellen Frühwerks.

Die Ãœberblendung von Motiven führt zu inhaltlicher Vieldeutigkeit, in der sich ironische Anspielungen auf Nahrungsmittelknappheit, die triste Wohnsituation oder der Wunsch nach einem eigenen Automobil ebenso verbergen wie die tabuisierte Darstellung von Nacktheit und Sexualität. Er bildet das Leben der Menschen nicht nur ab, sondern reflektiert den Zustand der Gesellschaft. Die Montage von Bildern mit gegensätzlicher Bedeutung offenbart für Boris Mikhailov nicht nur seine eigene gespaltene Identität, sondern auch die Widersprüche und Zwiespältigkeiten Russlands allgemein. Die Ãœberlagerung zahlreicher Motive mit Aufnahmen gesprungener oder zerbröckelnder Oberflächen steht symptomatisch für den Zusammenbruch der sowjetischen Gesellschaft.

Boris Mikhailov beschränkt sich in Sandwich nicht auf die Darstellung des Verfalls. Er überblendet einzelne Motive mit idyllischen Landschaften oder schönen Frauen, erzielt durch die Kombination ironische oder humorvolle Situationen. Das Ãœbereinander lässt eine tonige Farbigkeit entstehen, die sich wie ein nostalgischer Schleier über die Aufnahmen legt. Tragik und Härte des Gesehenen offenbaren sich so erst auf den zweiten Blick.

Boris Mikhailov verbindet in Sandwich zwei für ihn grundlegende Elemente der russischen Gesellschaft: Schönheit und Leid. Er zeigt das reale Leben, die restriktiven Verhältnisse und Entbehrungen, vor allem aber die Schönheit Russlands, den Reichtum an Träumen und Phantasien, die nicht kontrollierbar sind.

Boris Mikhailov, geboren 1938 in Kharkov in der Ukraine, lebt heute in Kharkov und Berlin. Zu seinen wichtigsten Auszeichnungen zählen der Citibank Photography Prize und der Hasselblad Award. Seine Arbeit wird in zahlreichen Ausstellungen im In- und Ausland gezeigt, zuletzt in einer großen Retrospektive im ICA Boston. Er vertritt die Ukraine auf der diesjährigen Biennale in Venedig. Ebenfalls 2007 erschien im Phaidon Verlag der erste umfassende Katalog zu Sandwich.

Barbara Gross Galerie
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Beitrag Forum: Ausstellung posten   Geschrieben: Mi, 19. Sep 2007 18:47   Titel: Loretta Lux | Suzanne Opton | Brigitte Lustenberger

Loretta Lux (Deutschland) entwirft ihre Fotografien wie eine Malerin was sie ursprünglich auch war. Nachdem sie den Pinsel gegen die Werkzeuge der numerischen Fotografie ausgetauscht hat, schafft sie Bilder, die zugleich anziehend und beunruhigend sind. Die Kinder, die sie in Szene setzt, posieren in zu engen Kleidern und an Orten, die etwas zwischen natürlichen Landschaften und Theaterkulissen sind. Die Künstlerin arbeitet mit einer Farbpalette, deren Lichteffekte an die Malerei der Renaissance erinnert und transformiert dadurch die Gesichter, die sie von jeglicher Emotion entleert. Damit setzt sie sich einer Tradition entgegen, die die Kindheit als einen Glückszustand und Moment der Entfaltung darstellt.

Suzanne Opton (USA) porträtiert aus dem Irak zurückgekehrte Soldaten. Im Wissen, dass diese jungen Menschen schreckliche Ereignisse erlebt haben, die für immer in ihrem Gedächtnis fixiert sind, begab sich die Fotografin in die Kaserne von Fort Drum, im Staat New York, um ihre Gesichter zu beobachten. Suzanne Opton forderte die Soldaten auf, sich auf den Boden zu legen. Mit dieser unerwarteten Pose ist es ihr gelungen, ihre Subjekte zu entwaffnen und zerbrechliche und verwundbare Menschen zu zeigen.

Brigitte Lustenberger (Schweiz) enthüllt Individuen und Orte, mit einer geheimnisvollen Ausstrahlung. Sie sah, erfasste und raubte einige Handlungsmomente, die sich bei ihrem Kontakt sofort verflüchtigten. Es ist dem Betrachter überlassen, sich die Geschichten dieser enigmatischen Bilder zu denken.
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